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丹尼尔·里希特:我对世界的解体更感兴趣
发布时间:2018-11-24 发布人:管理员 来源:半岛艺术网
摘要:“画是如何组织的,这事关艺术和世界的关系,事关艺术家如何看待这个世界。就像音乐一样,揭示着艺术家如何看待这个世界。”丹尼尔·里希特这样看世界。
   摘要:“画是如何组织的,这事关艺术和世界的关系,事关艺术家如何看待这个世界。就像音乐一样,揭示着艺术家如何看待这个世界。”丹尼尔·里希特这样看世界。
  
       丹尼尔·里希特

  我们听音乐并不因为可以验证我们的感受,而是因为音乐可以把我们所感受到的一切都更深化,让这种感受更为深刻。绘画也是这样。


 
  丹尼尔·里希特身上有种奇妙的洒脱感。
 
  他抽着烟,环顾了一下左右,没有看到烟灰缸,就伸手拖了一个空酒瓶子拿在手上,把烟灰拍落在葡萄酒瓶细细的瓶颈里。他的头发有些蓬乱,胡子也没有认真地修理过,说着说着话,就径直走到一边的音箱去,开始播放符合心情的音乐,并且时不时地吹两声口哨,配合着音乐。不拘一格。
  作为德国最有名的绘画中坚之一,他对绘画和音乐都有着深刻的理解。20 世纪80年代的丹尼尔·里希特的工作是画海报,并为唱片设计封面。在柏林墙倒塌之后,他决心投身油画创作,到汉堡去认真读了艺术学位,成为了一名以绘画著称的艺术家。虽然选择了绘画作为职业,他过去的爱好始终影响着他。音乐是他不可缺少的精神食粮。当我们谈绘画的时候,我们谈的其实是音乐。


 
  “画是如何组织的,这事关艺术和世界的关系,事关艺术家如何看待这个世界。
 
  就像音乐一样,揭示着艺术家如何看待这个世界。我们听音乐并不因为可以验证我们的感受,而是因为音乐可以把我们所感受到的一切都更深化,让这种感受更为深刻。
 
  绘画也是这样。”
 
  谈到绘画,丹尼尔·里希特是极为认真的。


 
  丹尼尔·里希特以他具有迷幻色彩的类写实风格的绘画闻名,在他那些具有神秘气氛的作品中,人常常是以鬼魂的形态出现。
 
  丹尼尔·里希特说,他描绘的是一种神经质的、“偏执的观看”(der paranoide Blick)。在丹尼尔·里希特的理解中,有三种“偏执的观看”。“在欧洲的语境下,偏执的观看有不同的含义。一种是监视的目光,比如夜巡。另外一种偏执的观看,就是扭曲的观看,比如嗑了药,或者喝醉了,个人的感观发生了变化。这是大脑触节的改变导致的偏执的观看。第三种,就是陌生人的偏执的视线,那些身处边缘的人,那些逃难者,那些不熟悉的陌生人的视线。
 
  这三种不同的目光和视线,让我非常感兴趣。”这三种视线下形成的世界,是一个有些危险甚至神秘的世界。丹尼尔·里希特呈现的世界,是理性的,更是非理性的。



 
  “为什么你的画中都是在跳舞的人?”
 
  “它们都不是人,他们是鬼魂。这些人都不具有形体。它们出现的方式是和人不同的,他们是以液体的形式出现的。他们不具有躯体的固定模式。这是我对‘人是什么’的思考。人当然有个核,但是人同时又是液体的和流动的(liquid)。所以对我来说,人可能更是一个水母,而不是个士兵。”丹尼尔·里希特对自己说出的比喻一愣,赶紧补充说道:“真是抱歉这个水母的比喻,我就是想表达那种没有脊椎的软体动物。”对他来说,一切都在流动中,音乐,绘画,人和世界,流动才是世界的常态。



 
  让丹尼尔·里希特感兴趣的不是重新呈现这个已知的世界,而是用自己的方式去解释世界。他对绘画奉行这样的理念:“绘画应当关乎理念(Idee),绘画不应该把现实世界里已经存在的东西再重复一遍。”在这一点上,他和写实主义做了彻底的划分。“如果没有想法,只是写实的绘画,我毫无兴趣。
 
  写实主义让我觉得很压抑。”他的态度和立场都十分明确。他的理由也十分充分:“我指的不是文学中的写实主义。在绘画中,写实主义总是呈现出惊人的丑,画面背后的价值观是反对人文主义的——人成为了一个绝望的笼子里的肖像。”虽然他自己的作品常常被贴上“写实”倾向的标签,他必须说明自己的基本立场与写实主义完全不同。尽管丹尼尔·里希特的画作中常常有现实的场景,但是一定要记得,他根本不是为了要“真实记录生活”而做的画。
 
  “写实主义是重复现实,这是让世界僵化。而我对世界的解体(Aufl?sung der Welt)更感兴趣。”所以他的画面中,人呈现为“液体状”,有种流动感,世界在晃动,结局毫不确定,一切都可能发生。



 
  人的理性建立起了规整的世界,人的非理性让这渐渐僵硬的世界多了迷人的不确定性。“我对理性和非理性都有兴趣。没有疯狂,就很难想象理性。我们是非常复杂的生物,我们的文化和对生活的设想是非常不同的。不同的文化都有其理性和非理性的部分,这是人类几千年来真正激动人心的地方。”
 
  丹尼尔·里希特指着他正在画的一张大尺幅的画说:“你猜这是什么?”画面上是一条红色的折线,一路向下延伸。“这是股市指数。”丹尼尔·里希特说,“这其实是一种抽象。股市的曲线是最最抽象又最最精确地表达着权力和资本的涌动。这些曲线一直在影响着我们。”这是丹尼尔·里希特正在探索的新主题和新的表达。
 
  对他而言,是否写实,是否抽象,都不重要。丹尼尔·里希特的绘画一直在变化,这是他所追求的,无论是写实还是抽象,他都不怎么在乎使用的绘画语言是什么。“我不觉得写实可以比抽象更好地表达自己。一个人用十二弦来创作音乐和另一个人做流行音乐,他们的表达是同等有效的。人可以有不同的语言选择来表达自己,但是我觉得,并不存在一个‘能表达更多’的语言。一个好的流行音乐作品肯定比一个糟糕的爵士乐作品要好。”他觉得任何一种形式的创作,都有表达上的特性,也都有需要解决的问题。



 
  关于绘画,丹尼尔·里希特坦承,现在依然常常遇到困难的时刻。“有些主题,我还没有找到相应的解决方案。”丹尼尔·里希特的意思,是有一些表达还没有找到在画面的空间解决方案。他可不想只是为了呈现一个主题而做成一个拼贴,这就是他非常警惕的“重复现实的写实主义”了。他要找到有张力的呈现方式,让这个世界在他的画面中松动、解体,让里面的一切都流动起来。
 
  对绘画可以给予的极致体验,丹尼尔·里希特愿意探索各种可能。和萨尔茨堡的歌剧院合作,进行舞台设计是他的尝试之一。萨尔茨堡的音乐节是全球最重要的艺术节之一,吸引着全世界的音乐爱好者。



 
  舞台设计是个和在工作室画画截然不同的活动,是个有主题有清晰目标的集体创作,丹尼尔·里希特收获了自己的乐趣,他发现舞台上的戏剧和舞台设计之间有一种互相滋养的关系,能够产生一种新的效果。“40 米宽、20 米深的舞台空间,这提供了一种特别的审美体验。这里的画面组织是更深更复杂的,和音乐一样。所以我就是来获得我的乐趣的,非常大的乐趣。”
 
  他比较着墙上的画和舞台上的画的区别:“墙上的画是安静的,并不求有很多的观众,而且要求的也只是理性的观众,交流静静发生。但是歌剧需要一个作为群体的观众,人们一起屏息凝神观看并和歌剧情节有情感交流,这是个共同经历的过程。”丹尼尔·里希特在舞台设计中,收获的是刺激和无与伦比的感受。“画面可以和音乐一起达成强烈的效果,这个过程很刺激,棒极了。”
 
  “当歌剧结束了,这些绘画作品就被扔掉了。这不可惜吗?”
 
  “不可惜。人不必总是这么伤感。”丹尼尔·里希特很洒脱。在歌剧的舞台上,丹尼尔·里希特关心的是绘画在一个更大空间和更紧迫的时间里的效果,是画面和音乐在一起的效果,是作品和1500 人一起进行情感交流时产生的能量和磁场。这种刺激的体验无法在美术馆中获得。丹尼尔·里希特永远对这样极致的体验着迷。



 

  
       《芭莎艺术》vs 丹尼尔·里希特
 
  《芭莎艺术》:你在维也纳艺术学院当教授时,如何教学生艺术?
 
  丹尼尔·里希特:就像在花园里。不可能把一株兰花当作一棵橡树来处理。这毫无意义。人们应该按照他们所想的去行动,我只是水分和养料。我不能非得让他们按照我画的去画。
 
  《芭莎艺术》:你自己有过这三种“偏执的观看”的体验么?
 
  丹尼尔·里希特:有啊。酩酊大醉的时候,任何可能high 的时候。(笑)这我可不想多谈。



 
  《芭莎艺术》:你开始画得很抽象,后来又有些写实,现在又开始在画面上做极简的尝试,为什么?
 
  丹尼尔·里希特:重要的不是采用的手法,就像音乐,无论是爵士还是庞克,关键是这个主题里所蕴含的张力。哪些材质用以表达哪个主题,是彼此决定的。所有的画家所画的总和他所处的环境相关,他总会观照绘画的历史,观照到社会和他所存在的这个世界。
  这对我而言,在于创造相关性。我创造了具有双重含义的图像。绘画的关键在于画是如何组织的,画面是否是个有效的画面,是否令人惊奇。画的是个女人,还是个四方形,这根本不是画得好不好的前提。这不是标准。
  并不是说画中是个裸女就是幅好画,或者都是直线就不是幅好画。
 
  《芭莎艺术》:安静和不安是你作品中的矛盾,你对矛盾如何理解?
 
  丹尼尔·里希特:矛盾是个好的词。让“美”和“陈词滥调”在画面中同时呈现,这让我很感兴趣。



 
  《芭莎艺术》:你是否关注当下绘画的方向?你接下来会往什么方向探索?
 
  丹尼尔·里希特:绘画的方向并不重要。我不关心爵士做了什么,或者古典音乐做了什么。
 
  我关心的是某个特定的艺术家做了什么,而不是某个流派。人总是从不同的方向表达,时不时走走弯路。我们有不同的选择,就可以经常改变。我对“找到一样东西并不断确认”这件事情不感兴趣,我愿意画到一个程度后向其他的方向进行探索。
 
  来源:《芭莎艺术》
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